El blues y Eric Clapton Parte 2

La aparición en mayo del 67 del Sgt. Pepper's revolucionó en todos sentidos la cultura del rock, aunque vale mencionar que los Beatles lo realizaron acicateados por la aparición del álbum Pet Sounds de los Beach Boys. Ambos álbums surgen dentro de la marea psicodélica que Thimoty Leary con el LSD y Gordon Watson con el Psiloscibe habían popularizado en la mitad de los 60's. Así pues, a partir de ambos álbums la prensa empezó a llamar al rock más evolucionado y complejo  como música psicodélica, (más tarde llamado rock progresivo). 

En el mismo año de 1967, hizo su aparición en la escena londinense Jimy Hendrix Experience cuyo manager, el británico Chas Chandler, ex miembro de The Animals, formó a la imagen de Cream, es decir como un supertrío , en donde la guitarra de Hendrix convertría al blues en rock piscodélico (ver clip de Hey Joe para que se den una idea http://www.youtube.com/watch?v=kE3FAY-NOiU). Estos eventos,  repercutieron en Eric Clapton de manera definitiva, tocar solo blues ya no era suficiente y aunque Cream siguió dominando la escena musical, para 1969 el proyecto estaba agotado.  

El siguiente paso de Clapton, fue unirse a Steve Winwood, líder del grupo Traffic y formar otra superbanda que llamaron Blind Faith; con Baker en la batería y Ric Grech en el bajo. La aportación de Winwood le dió un nuevo sonido a la música de Clapton y encontró

la fórmula que quería para continuar dictando nuevos caminos al blues, lejos del sonido psicodélico de moda en aquellos años. El sonido de Blind Faith era más una fusión de jazz y música tradicional inglesa con el blues que con el rock. De esta formación salieron temas inolvidables como son:  Well all rigth (http://www.youtube.com/watch?v=XDXu61ZXgWE), que es un duelo de guitarra con el teclado de Winwood, Hard cry today (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=R2xRYw3DmRY), una melodía con un rifft fuerte y directo que se convierte en un melodía suave con tonos de música tradicional inglesa (que Led Zepellin utilizara después), Prescence of the lord, una rola que empieza suave y tranquila en donde los teclados de Winwood tienen predominancia muy al estilo de  Leon Russell, pero que después se convierte en un blues con solos muy sentidos que llegan muy adentro, una muestra de la capacidad de Clapton para hacer llorar la guitarra (ver clip grabado en 2007 en el Crossroads Festival http://www.youtube.com/watch?v=BFlgDeA6Wog, una joya). 

Sea of joy otra rola suave y tranquila con toques tradicionales acústicos y un violín melancóilico de Grech que de pronto se convierte en un blues con solos eléctricos con el fondo omnipresente de la batería de Baker (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=OeqMGFJftrs). Can`t find my home, una rola acústica con sabor tradicional (muy al estilo de Jimy Page, ver clip http://www.youtube.com/watch?v=OeqMGFJftrs) y finalmente Do what you like, en donde Ginger Baker se luce con un solo de batería de los que acostumbra (los solos de batería de Baker con Cream y Blind Faith lo elevaron a ser considerado el mejor bateria de la época (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=askcNIaLcU4). La música de Blind Faith marca un derrotero nuevo para el rock y el blues, en donde Clapton suena muy refinado y creativo, el sonido Traffic que trasmitía Blind Faith se vió ampliamente mejorado con la aportación de Clapton. Desafortunadamente, esta formación no duraría, en parte porque el sonido en vivo no les gustó y en parte a la inestabilidad que siempre ha mostrado Winwood.

Después de la ruptura del grupo,  en 1970 Clapton se desinteresó por seguir creando su propio camino y se dio un descanso para unirse a la banda de famosos que reunió George Harrison para la grabación del exitoso álbum All Things Must Pass  y para el concierto en vivo de Bangla Desh. 

En ese mismo año, también se embarcó en una gira con Delaney and Bonnie, una pareja norteamericana amiga de Leon Russell, que incluía, además, a muchos de los famosos que habían trabajado con George, como David Mason guitarrista de Traffic, Jim Gordon  baterista de estudio que había trabajado con los Byrds y con los Beach Boys, Carl Radle un bajista de Oklahoma conocido por su aportación para crear junto con  JJ Cale y Leon Russell entre otros, el sonido Tulsa; el propio Leon Russell,  Bobby Whitlock tecladista blanco del Delta, Jim Price en la trompeta y Bobby Keys en el sax, ambos frecuentes colaboradores de los Rolling Stones, Rita Coolidge (Delta Lady) famosa por su interpretación a la canción de Russell Superstar (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=v-IxFZXEnYE&playnext=1&list=PL46E3A8FF36ECBB64, grabada después en versión fresa por los Carpenters) y por su papel de Magdalena en la ópera rock Jesus Cristh Superstar y Duane Allman (Duane es considerado el no. 2 de los guitarristas según Rolling Stone ver clip de Duane In memory of Elizabeth Reed http://www.youtube.com/watch?v=pV8RoNePzfIhttp://www.youtube.com/watch?v=pV8RoNePzfI). 

Esta superformación sólo alcanzó para hacer una gira en Estados Unidos y otra en Europa donde alternaron con la Plastic Ono Band de Lennon en la cual Clapton tocó un par de veces. Lo interesante de la banda fue la clara y total fusión del bues inglés con el blues norteamericano y la incorporación de los metales al sonido del blues tal como ya lo habían hecho BB King, Janis Joplin y los Stones años atrás en una clara influencia del sonido soul norteameriano. La canción más relevante del álbum es Comin' Home, (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=ZaVyZoRtVok) escrita por Bonnie y Clapton, otra de las rolas famosas del álbum es Poor Elijah (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=-u6cwYgX_4Q), se trata otra adaptación genial de un blues de Robert Johnson y una canción de David Mason Only you a Know and I Know que tocaba con Traffic (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=K9CdVeKr5bk). El sonido de la banda es formidable y generan una energía  impresionante. Este álbum fue muy celebrado por el público por la fusión tan creativa y alegre del blues  clásico con el soul. La banda se disolvió y se reagrupó, ya sin Clapton, en torno a Joe Cocker para formar la famosa banda de los Mad Dogs and English Men , que catapultaron el talento a Joe Cocker a la fama mundial.
 
 Sin embargo, en esta gira, Clapton pasó de las drogas psicodélicas a las drogas opiáceas y se hizo adicto a la heroína. La leyenda cuenta que la causa fue su amor no correspondido con Patty Boyd, entonces esposa de Harrison (considerada la grupie más famosa de todos los tiempos).

El blues y Eric Clapton Parte 1

Eric Clapton tiene algo que muchos músicos no han logrado; encontrar el interruptor universal dentro de nuestro ser para crear la banda sonora de nuestras vidas. Para muchos el nombre de Eric Clapton significa algo más que un buen guitarrista, su música ha trascendido todas las fronteras de lo posible, está en el salón de la fama del rock de tres maneras; primero con los Yardbirds, después como integrante de Cream y por último como solista. Lo curioso del asunto es que toca blues, género musical que no es precisamente muy comercial y sin embargo lo ha llevado a alturas que ni el mismo BB King hubiera soñado. 

A pesar de que el blues tiene una larga historia, su origen, al igual que el country (conocido primero como Hillbilly, en referencia a su origen netamente rural), es el Delta del Mississippi. El blues comienza a ser popular a partir de la creación del sello Chess Records de Chicago a finales de los años 50's, en donde grabaron los principales exponentes vivos de la época.  Para esas fechas, el blues y el country ya se habían fusionado, dando origen al rockabilly (en clara alusión al hillbilly) primero, y después al rock  and roll. En el caso del blues son los grupos ingleses los que redescubren el género, a través de reinterpretaciones de los artistas negros más populares de Estados Unidos. En efecto, nombres como los de Willie Dixon, Howling' Wolf, Muddy Wathers, Jimmy Reed, John Lee Hooker, BB King, Freddie King, Sonny Boy Williamson, Eddie Boyd, James Bracken, Bo Diddley, Otis Rush, Skip James, Robert Johnson, etcétera, comienzan a ser conocidos entre la banda a través de los discos de Clapton y de otros rockeros, entre los que destacan; Bob Dylan, Jimy Page, Keith Richards, Mick Taylor, Duane Allman, Jeff Beck, Rod Stewart, John Mayall, Johny Winter, Alvin Lee, Ry Cooder y por supuesto Jimy Hendrix, entre muchos otros.

Clapton inició su carrera en 1964 tocando primero con los Yardbirds y grabando un  álbum en vivo Five Live Yardbirds, con ellos Clapton demostró su clara influencia del blues del Delta, sin embargo las versiones a rolas clásicas de blues 
como Good  morning school girl de Sonny Boy Williamson (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=oIB9HIJH0Uc), Five long years de Eddie Boyd y I'm a men, de Bo Diddley (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=K8RMCetnkSo), suenan mas a rock británico que a blues, quizá por esa razón Clapton decidió unirse a los Bluesbrakers de John Mayall.

Con Mayall grabó uno de los álbums más representativos de la historia del blues  y con el cual Clapton se dio a conocer como un guitarrista excepcional. De este álbum destacan las rolas de All your love de Otis Rush (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=rUUEtCBhn_Q), que Mayall siempre incluye en sus presentaciones en vivo (es un reto enorme para el guitarrista en turno de la banda), Hideaway  de Freddie King, es una muestra de la enorme capacidad de Clapton para impresionar al público (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=25ICK4Uqv7o) y Steppin'out, un boogie instrumental afilado y cortante de James Bracken (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=PkulcvRkd4I). Esta rola Clapton la ha tocado infinidad de veces, una de ellas es en un álbum en vivo de Cream con una duración de 13 minutos, en donde toca como poseído por los dioses.  En 1981, Clapton volvió a grabar nueve de los doce tracks originales que grabó con Mayall, titulando el álbum precisamente como Steppin'out. 

  

El siguiente paso dado por Clapton fue  Cream, grupo que

formó con Jack Bruce y Ginger Baker, ambos muy conocidos en la escena musical londinense; con Cream, su productor y mánager Robert Stigwood, hizo circular la idea del supergrupo, que la prensa magnificó como el primer supergrupo de la historia del Rock (Stigwood era un genio, además de Cream, también lanzó al estrellato a los Bee Gees y produjo Hair y Jesus Christ Superstar, entre otras obras musicales). Con Cream, Clapton no abandonó su gusto por el blues e incluso lo perfeccionó al grado de convertir a Cream en un grupo de culto y en pioneros del rock psicodélico. Cream tuvo una vida mas bien corta, entre 1966 y 1969 solo grabaron cuatro álbums de estudio y un álbum en directo.  Son muchas las rolas clásicas que salieron de esta formación; de las interpretaciones de blues clásicos, destacan Rollin' and Tumblin de Muddy Waters (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=IrQftYFU7Vc), Sitting on top of the world (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=qDU_EHP0yl8&feature=related) y Spoonful (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=Y-lRmVOGw3M) éxitos de  Howlin Wolf (vale la pena comparar el Spoonful de Cream con la poderosa voz y ritmo del maestro Wolf (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=s0aIjyX7vwI), I'm So Glad, de Skip James (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=L3GIQ86eu6c), Born under bad sing éxito de Albert King (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=f1pzXJuvdAY) y después popularizada por Homer Simpson (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=-EHrPHrkKPE&feature=fvst con BB King y Tower and Power Wow!) y la famosísima Crossroads una rola que Clapton compone a partir de la música de Robert Johnson, para darse una idea del genio de Clapton vean el clip con la versión original http://www.youtube.com/watch?v=Yd60nI4sa9A.  y la de Cream http://www.youtube.com/watch?v=YdwVVI4B3oY.


Es tan famosa esta interpretación de Clapton, que de hecho es casi su marca registrada (actualmente Clapton tiene una clínica de rehabilitación de drogas cuyo financiación se realiza a a partir de los fondos recaudados en el famoso festival de guitarra Crossroads). De las rolas propias de Cream destaca una rola escrita con Felix Pappalardi Strange Brew (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=a3cELfFjXvY) un músico conocido en el medio folk del Greenwich Village y que junto con Stigwood produce los dos últimos álbums de Cream. Otras rolas clásicas son Sunshine of your love, Take it back, Politician, White room y Badge (ver clip  http://www.youtube.com/watch?v=s7rHCYtbZRo). Esta última, Clapton la escribió con George Harrison e incluso George participa en la grabación. Esta colaboración se realizó para devolverle el favor a Clapton por su participación en la inolvidable While my Guitar Gently Weeps. Badge es una de las favoritas de Clapton casi siempre la incluye en sus presentaciones en vivo. 


Con Cream se inicia la era de los conciertos masivos con rolas larguísimas en donde la improvisación exige mucha maestría en la ejecución; los solos de batería de Baker son de antología y los arreglos de Bruce demuestran la madurez que habían alacanzado como grupo. 


Las innovaciones introducidas por los Beatles y los Rolling Stones y la aparición de Jimy Hendrix, completaron junto con Cream, los años más creativos que ha tenido la historia del rock.

 

Pink Floyd toca música que no es de este mundo

A propósito de la celebración del 40º aniversario de la llegada del hombre a la luna, me parece muy pertinente comentar que Pink Floyd no toca música terrestre. Inspirados por la carrera espacial, en 1968 empezaron a explorar nuevos sonidos y se instalaron en la luna para componer su musica. Al prinicpio, bajo la guía de Syd Barrett, y con la influencia del rock progresivo que comenzaban a experimentar los Beatles con Revolver (1966), en especial la rola Tomorrow never knows (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=rrf_e6g2jxk). Dice la leyenda que John por estar tan pacheco colocó al revés la cinta que habian grabado con la guitarra de Harrison y el sonido resultante les gustó tanto que así la dejaron. Pink Floyd trataba de imitar esos sonidos extraños que los Beatles hacían "regresando" la cinta lo que sonaba muy "progre", lo que originó un sonido que a falta de otra definición mejor, se le llamó "psicodelico" y que marcaron la moda de entonces. Este sonido beatle se recuerda mucho en su primer éxito comercial See Emily Play ( ver clip http://www.youtube.com/watch?v=wH3pqYwDBdQ) y en su primer elepé The piper at the gates of dawn (1967), en el cual destaca Syd Barret como el genio creador y se sigue considerando como uno de los mejores de la banda.

Lo importante, sin embargo, es que en ese disco ya tenían el germen de la música extraterrestre que vendría después. En efecto, hay una rola llamada Astronomy Domine (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=6M-UtlpvBWk) que suena a radar interestelar de Star treck con todo y conexion con Houston (rola que incluyen en sus conciertos en vivo) y otra rola Interestelar Overdrive (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=2iA7wdO00VI) que nos remonta a un viaje espacial con sonidos de guitarra que recuerdan a contactos cercanos del tercer tipo. Con ese disco, la prensa especializada los bautizó como un grupo progresivo y psicodélico. Muy pronto demostraron que esa etiqueta les vendría chica.

Las experiencias de la Banda con el LSD que tomaban como si fueran aspirinas, los dejó muy maltrechos, de tal suerte que Syd en una de esas jamás regresó del viaje y tuvieron que reclutar a otro guitarrista, que en principio fue Jeff Beck, un ex Yardbids, sin embargo Jeff siempre ha sido muy inestable y ni modo, echaron mano de David Gilmour amigo de la banda desde sus inicios. Cabría mencionar que Jeff toca en el álbum ya de solista de Waters Amused to death (1992) con unos solos de alucine con notas alaragadas e intensas como las hace Gilmour, de hecho Jeff es el maestro indiscutible de ese estilo (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=Vuj5toLeyY8&feature=related). Después del ingreso de Gilmour a la banda, empieza el verdadero viaje al universo que emprenden Wright, Waters, Gimour y Mason. Al principio los cuatro albumes que sacaron entre 1968 y 1972 eran solo para iniciados en donde experimentaron de todo y se ganaron la fama de ser la banda de culto por excelencia; por ejemplo en Atom heart mother (1970) la rola que le da el nombre al disco dura 25 minutos y es una composición sinfónica con solos de guitarrra distorsionados y un gran fondo de tubas y metales que suenan como saga de Tolkien (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=3zO2zVjeQYA). De este disco es la canción de If que tocan en sus conciertos en vivo (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=e2G8EWy-plM).

Con Meddle (1971), se agudiza la expansión de la banda hacia un rock mas pulido y accesible y sobre todo se acercan más hacia el sonido de ciencia ficción por el cual serán recordados por toda la eternidad, basta oir Echoes para percibir ese ambiente espacial donde, liberados totalmente de la psicodelia, la rola nos sumerge en paisajes marcianos llenos de cráteres y cielos con nebulosas y pulsares. La guitarra de Gilmour es precisa con distorsiones increíbles, que parecen salir de un archeopterix venusino. El teclado de Wrights nos lleva hacia paisajes desolados e infinitos y la batería de Mason es potente e impone el estilo que lo caracterizará como uno de los baterías mas influyentes del rock (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=uInjtlzYz08&feature=related). Otra rola destacadísima del disco es One of these days, que marcaría para siempre el rock espacial de Pink Floyd, los solos de Gimour te mandan a las pléyades, los efectos son sencillamente increíbles (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=YgvAwBDbuIo).

Nada, sin embargo los preparó para el tremendo éxito de Dark side of the moon (1973) que hizo su rock cósmico más accesible al gran público, refinaron mucho más la la técnica de producción, las canciones mas equilibradas con la música, con efectos de sonido explotando al máximo lo que la tecnología de los estudios Abbey Road les podía dar, con esos toques de saxo y los coros femeninos de reminiscencia soul, impensables para un grupo de rock duro y progresivo  (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=-DNF687VMAE). El lado oscuro de la luna finalmente convirtió a Pink Floyd en superestrellas, y se sentaron con todo derecho en el trono vacante que habían dejado los Beatles y antes Elvis. El disco se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos y se mantuvo por 741 semanas en la revista Billboard como número 1. Por si no fuera poco, el siguiente disco Wish You Were Here (1975), también hizo historia y la rola Shine On You Crazy Diamond me hace llorar (ver cliphttp://www.youtube.com/watch?v=Nh7649KVd0I&feature=related), la entiendo como un llamado desesperado para que el diamante de Syd vuelva a brillar, se me ponen los pelos de punta.

Hasta aquí podriamos decir que Pink Floyd ha sido, junto con sus admirados Beatles, el mejor grupo de rock de toda la historia de la música. No obstante, nos tenían reservado una rola más; Comfortably Numb del álbum The Wall (1979) en la cual la guitarra de Gilmor vuela a lo más alto que un instrumento musical lo haya hecho jamás, para los afortunados como yo que asistimos a la gira del 93 de Pulse, los sonidos que Gilmour sacó de su Fender nos transportó a otra galaxia y otros mundos, este solo de guitarra esta considerado por los wikipedistas como el mejor solo de la historia (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=JWnapx502uQ).

Vaya pues un homenaje al rock cósmico del Pink Floyd en este día tan especial que recordamos la llegada del hombre a la luna.

La Banda Zorra

Tal vez uno de los momentos más fantásticos de la historia del Rock Mexicano se dió a principios de la década de los años 70's. Para ubicar esta época gloriosa habrá que recordar que a principios de los 60's, hubo una explosiòn musical del rock en español, en donde los Locos del Ritmo, los Teen Tops, Los Rebeldes del Rock, Los Reno, Los Hooligans, Los Crazy Boys y muchos otros nos tradujeron al español el Rock de Elvis, de Little Richard, de Paul Anka, de Chuck Berry, de Cliff Richards y de la Ola Inglesa (Shadows, Beatles, Zombies, Kinks, Rolling Stones). Esto fue así debido a las exigencias de la radio comercial y de las disqueras, que junto con la Tv promovieron mucho la difusión del rock en versión nacional, copiando las maneras de hacer de la Tv gringa e inglesa. Para muchos de nosotros que no hablabamos inglés, nos bastaba con oir a los grupos mexicanos y éramos felices. No obstante, para finales de la década ya nos habíamos acostumbrado a oir rock en inglés y el rock en español empezó declinar. La onda era entonces tocar la música de los grandes grupos de rock en inglés. Después de la primera generación de grupos mexicanos, empezaron a surgir por todos lados una gran cantidad de grupos de rock, pero sin la gran promoción comercial que se había dado anteriormente. Estos nuevos grupos se promocionaban a través de conciertos en vivo en cualquier cantidad de lugares, primero en las prepas y en las universidades y después en centros nocturnos. Furon muy apreciados grupos como Javier Bátiz y sus Finks (sobreviviente del rock en español), Tree Souls in My Mind (ex Ovnis y ahora El Tri), Dug Dugs, Tinta Blanca, Bandido, La Máquina del Sonido, Love Army, Peace and Love, Polvo, El Ritual y La Banda Zorra (derivación de la canción de los Doors Twenty Century Fox).
La Banda Zorra, lidereada por su vocalista Joaquín Cohen, tocaba la música de las grandes Bandas del momento como Chicago, Earth Wind and Fire, Tower and Power, Blood Sweet and Tears, Electric Flag, Ides of March, Brecker Brothers y muchos otros. La Banda Zorra estaba compuesta por una sección de Metales (trompeta, sax y Trombón), la sección rítmica de batería, bajo y congas, y las guitarras y teclados, además de la voz de barítono de Cohen, las interpretaciones a la música clásica de las grandes bandas de rock era insuperable, pero con un toque latino, entre Jazz Fusion y Funky que te erizaba la piel. Sus presentaciones en vivo tanto en conciertos gratuitos, como en el Champagne a Go Go, de la zona Rosa donde alternaban con Love Army y muchos otros, representaron una época de gran creatividad musical y le dieron una refrescada a la vida nocturna de México en donde se podía ver, escuchar y bailar el mejor rock que se ha escrito jamás, en la interpretación de músicos mexicanos entregados por completo a su arte y con su particualr estilo. Desgraciadamente, esos años maravillosos terminaron a mediados de los años 70's con el advenimiento de la música disco. Los antros que tocaban música en vivo cambiaron por la música grabada y bailable, lo que aunado a la prohibición de los conciertos (las autoridades se espantaron con el festival de Avándaro) hizo que esta época llegara a su fin.
La buena noticia es que la Banda Zorra con la mayor parte de sus integrantes originales ha decidido volver a reunirse y después de un largo periplo de treinta años de ganarse la vida acompañando a los grandes artistas como Luis Miguel, Enrique Guzmán, Alberto Vázquez, Juan Gabriel, etc., están dispuestos a mostrar a las viejas y nuevas generaciones que el ¡Rock nunca muere!....Enhorabuena por el regreso de Zorra.

Michael Jackson y su contribución al Rock

La noticia de la muerte de MJ no fue inesperada, de hecho se dudaba de que MJ diera el ancho en la Gira de Londres y más aún con 50 conciertos. Era sabido que esa gira era la despedida del músico. Su muerte sólo adelantó un final ya sabido por todos. Pero, ¿porqué su muerte despertó tanta histeria en el mundo?, ¿se trató de una jugada publicitaria para poder vender más afiches y discos ahora muerto?; ¿la expectación que causó la noticia de su muerte fué artificial o de verdad se corresponde con su importancia en el plano musical? Para responder estas preguntas cabría primero recordar de quién estamos hablando.

Para hablar de MJ es necesario remontarse a la historia del rock. Como muchos de ustedes sabrán, en los inicios del rock la música tocada y cantada por negros se denominaba SOUL. Esta música tenía sus propias compañías productoras de discos; una era la Motown (o ciudad motor dado que se alojaba en Detrioit la ciudad del autómovil) y la otra era Stax en Memphis Tenn. Para cuando surgieron los Jackson5, por el año de 1968, la Motown ya tenía una gran historia con artistas de la talla de Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross, The Four Stops, Gladys Nigth y un largisimo etcetera. 

Al mismo tiempo en Memphis, tierra de Elvis, la Stax con el sello Atlantic producía a músicos, tales como Artetha Franklin, Otis Redding y muchos otros. El Soul de los 60's y principos de los 70's tuvo su época de gloria con estas dos compañías. Asi pues, los Jackson five eran uno de los grupos importantes de Soul de la Motown y Michael tenía tan sólo 10 años. La música Soul tuvo una gran influencia en toda la música del rock, sin embargo la línea estaba muy clara, había la musica de los negros y toda la demás. Para la mitad de la década de los años 70's, el Soul empezó a evolucionar hacia otros sonidos más modernos dejando atrás el clásico sonido Gospel de coro de iglesia que lo caracterizaba, por ejemplo lo que hacía Issac Hayes en Stax con Shaft ( ver clip http://www.youtube.com/watch?v=L2cHkMwzOiM), o lo que estaba haciendo Stevie Wonder en Motown con Songs in the Key of Life (ver clip de la rola Love's In Need Of Love Today http://www.youtube.com/watch?v=-z2LNsifEzg), sin embargo los directivos de ambas compañías se resistían a cambiar de estilo y les impedían innovaciones para no arriesgar ventas seguras. Siguiendo el ejemplo de Stevie que dejó expirar su contrato con la Motown y quizás aconsejado por él, los Jackson Five abandonaron la empresa y siguieron adelante ahora sólo como los Jackson. Dado que Jermaine el mayor que estaba casado con la hija del dueño de la Motown, siguió su carrera en solitario. Al igual que la compañia Decca que en su momento no contrató a los Beatles, la Motown perdió a los Jakson y con ello la oportunidad de ser la que guiara el cambio del soul al pop y por supuesto perdió la venta multimillonaria de los discos de Michael como solista. Este golpe fue tremendo, sin embargo el genio musical de Lionel Ritchie (ex Commodores) y la fama del quinto beatle Billy Preston, mantuvieron a flote a la compañía hasta que en los 80`s finalmente se extingió. Lo mismo pasó con Stax, sólo que unos años antes. 

Los Jackson pronto se dieron cuenta que el genio era Michael así que le dejaron el espacio libre para que siguiera su carrera en solitario. Cabría que decir que MJ tenía todo para triunfar, una sólida cultura musical forjada en el puro estilo del soul, una gran facilidad para imitar los pasos de su gran ídolo James Brown, un extraña capacidad para seguir cantando con voz de niño y una gran disposición de aprender de otros artistas mayores que él, como Stevie Wonder y, posteriormente Paul McCartney (ver clip de la rola Say Say Say http://www.youtube.com/watch?v=b9jGSdGVNFI). Esta disposición a aprender le permite trabajar con un músico de estudio hasta entonces conocido sólo en los círculos del Jazz y de las Bigs Bands, se trata de Quincy Jones, con este personaje de gran experiencia, inventan un nuevo ritmo extraído del soul, y de un ritmo hasta entonces marginal denomindado Funk, (slang que quiere decir algo así como el olor del sexo, de ahí el gesto de agarrase los genitales en sus bailes) que era una mezcla de rock, soul y música latina que James Brown había explorado en los 60's y que con Sex Machine lo elevó a la categoría de himno (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=pbaCmtuU_tw). Carlitos Santana ya había explorado ampliamente este ritmo con la banda de Tower and Power (http://www.youtube.com/watch?v=bw1Pt6yrARE).

De esta manera nace el género que a a falta de adjetivos precisos se le incluyó en el gran saco de ritmos sin definir llamado Pop, pero que no tenía nada que ver con el Pop de entonces un tanto noño y de corte chicle bomba (mastícar y tirar). El éxito alcanzado con los tres discos que produjo esta pareja Jones-Jackson; Off the Wall (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=S11eGmzM-4E), Thriller ( ver clip completo http://www.youtube.com/watch?v=sOnqjkJTMaA) y Bad (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=dsUXAEzaC3Q ), fué del calibre del éxito que alcanzaron los Beatles 15 años atrás, las ventas de Thriller (104 millones de copias) son de récord guiness y casi imposibles de igualar, sobre todo en estos tiempos en los que si un atrista vende 1 millón de copias se da por bien servido.

El éxito de MJ, alcanzó para acabar de una vez por todas con la división de musica negra y todo lo demás, tambíen abrió la Tv a programar a los músicos negros al igual que los blancos (se recomienda ver la película Spray con John Travolta para que entiendan los que les digo) , cambió para siempre la manera de hacer video clips, acabó y enterró para siempre la música disco, e inció otra etapa en la musica popular reforzando la música Pop con el rock pesado y el funk y poniendo las bases para el Hip Hop. MJ llevó el baile arrabalero de James Brown a las alturas de la danza clásica, todos los chavos nacidos en los 80's ya sean latinos, gringos, africanos, asiáticos, europeos, de cualquier parte del mundo crecieron tratando de imitar los pasos imposibles de MJ. 

Obviamente el éxito le pasó factura a un ser tan vulnerable con MJ, nunca comprendió que después de esa trilogía era imposible superarla y se empeñó en hacerlo, terminó enfrentado con Q. Jones, con Stevie Wonder, con McCartney, con Landis (el director deThriller) y con sus hermanos, no pudo convivir con ninguna pareja, se quizo convertir en hombre blanco, enloqueció y sólo de vez en cuando apareció por ahí con alguna genialidad.

El mejor legado de MJ fue sin duda acabar con los prejucios raciales que antes de su éxito prevalecían en el ambiente musical, tal como lo ejemplifica su video Ghost en donde MJ se dedica a espantar a los niños de una comunidad de blancos y cuyos padres quieren linchar (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=Xh9Cp4rd7mI), pero al final todos terminan bailando al ritmo del funk-rock-soul de su música infinita. Descanse en paz Michael Jackson 1958-2009.

Rock cientoúnico

Resulta que este fin de semana me encontré con un artículo de Jordi Soler en el país semanal, acerca de la nueva película de González Iñarritu llamda "Biutiful", el asunto que me interesó fue el comentario de Jordi que entre los años 85 y 95 del siglo pasado, él y el negro como se le conoce a González Iñarritu, eran enemigos irreconciliables pues uno trabajaba en ROCK101  (cientoúnico) que dirigía Luis Gerardo Salas, y el otro en WFM magia digital que dirigía Martín Hernández, ambos como locutores y participantes activos de los dos grandes proyectos de radio que existieron en esa época. 

En efecto, yo no recuerdo otros momentos más gloriosos de la radio en México que la gran rivalidad creativa que se dio entre estas dos estaciones. Yo prefería a rock 101 y de hecho soy orgullosamente un miembro de la "generación 101". Esta estación se distinguía  por sus programaciones tan cercanas a los radiosescuchas, había muchas entrevistas, transmisiones en vivo de conciertos, transmitían rock en español y de otros paises, Francia, Alemania y de Europa del este, muchos programas de reseñas de libros, de discos y de todo lo que la cultura del rock nos puede dar. La primera canción que transmitieron fue Star me Up, de los Stones celebrando los 21 años de la banda.

Rock 101 fue para muchos la continuacíon de la famosa estación sesentera de AM radio 590 la pantera grrrwau....y como decía Luis Gerardo "uno de los argumentos para soportar el proyecto de ROCK 101 antes de entrar al aire, fue el presentar a los directivos del NRM a esta nueva estación igual a La Pantera - 590 AM, pero con la diferencia que se escucharía debajo de los puentes".  En Rock 101 eran famosas las viñetas que acompañaban la transmisión de algunas canciones y sobre todo una especie de reality show que emprendía Lynn Fainstein en la calle preguntando cosas como ¿cuál es tu canción preferida para hacer el amor?, por cierto que la canción que ganó fue la every take you breath de police (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=OMOGaugKpzs&feature=artistob&playnext=1&list=TLAnxF6CAijUM). 

También organizaron, con las opiniones del público una lista de las 300 canciones mas importantes del rock, la que ganó fue stairway to heaven de Led Zeppelin (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=9Q7Vr3yQYWQ) la viñeta de esta canción decia así  "Híper-inspiración en una obra atemporal, creada a la altura del vuelo nocturno con trascendencia pesada. Producción Jimmy Page,"Stairway to heaven", "Escalera al cielo". Voz de una generación, belleza estética, idea musical: Led Zeppelin." Estas viñetas se comentaban al final de la canción y realmente eran muy poderosas para darnos una idea de su significado, se pueden escuchar algunas de estas viñetas en wikipedia en la página  http://es.wikipedia.org/wiki/ROCK_101#Luis_Gerardo_Salas, les recomiendo que visten este sitio para que puedan apreciar lo que se hacia en la radio en esa época. 

La continuación en la radio de lo que era rock 101, es la radio universitaria  Ibero 90.9,  la cual rescata mucho la "Idea Musical" que generó rock 101. Respecto a WFM su eslogan era magia digital y la diferencia era que se clavaban más en el rock en inglés y tenían más producción, ellos inventaron lo que ahora se conoce como "promos". El más famoso era el del pavo de navidad. Los locutores de esta estación eran Martín Hernández (el gordo) y González Iñarritu (el negro), ambos conjuntaron una de la parejas más informadas de la radio en torno del rock, eran realmente muy buenos. A mi no me gustaba el gusto el exceso de promos y solo la escuchaba en la noche cuando no había comerciales ni promos y la voz de Charo Fernández dicendo magia digital me encantaba. Pues bien ahora me entero que el Negro y Jordi son amigos, quien lo dijera, las cosas que da la vida. Salud por el recuerdo de esos grandes años de la radio mexicana.  

Cream en Vivo

Hola de nuevo, ahora quiero platicarles de un grupo de los meros clásicos se trata de CREAM, formado por Jack Bruce en el bajo, armónica, voz y composición, Ginger Baker en la batería y Eric Clapton en la lira. Resulta que mi primo Carlitos me regaló un DVD con un concierto de CREAM en el Royal Albert Hall de Londres, en un principio creí que se trataba de una recuperación masterizada de un concierto viejo, pero resulta que el concierto se celebró en ¡2005!, es decir ya estaban bien rucos. 

De Clapton no podemos decir que se vea ruco, ya que siempre a estado en el escenario musical y como quiera estamos acostumbrados a verlo, pero ver a Bruce y Baker fue una conmoción. De Ginger Baker mi amigo Barmando ya me había conseguido una grabación de un disco de los 90`s, en el cual la onda es mas bien jazz fusion, pero de Bruce no había sabido nada hasta ahora. Bueno Cream fue el grupo más influyente en el rock la segunda mitad de los 60's, de hecho fue el primer super grupo, llamado así por la prensa especializada. 

En 1966 Ginger era reconocido como el mejor batería del momento y Clapton había sido ya el Bluesbraker más talentoso de John Mayall y un miembro prominente de Yardbirds, pero con Cream subió a las alturas y entro al reino de los cielos. Como dice el Rolling Stone a propòsito de los inmortales "escribió el idioma fundamental, el código binario, que todo el mundo usa hasta el día de hoy en todas las formas de la música popular...". Lo curioso de Cream es que tocaban blues!!!. Para que tengan una idea, en esa época el blues y el rock se habían fusionado en algo que se conocía como Rhtmyn&Blues y que seguía con la tendencia evolutiva del rock desde Elvis hasta los Beatles, pero resulta que Cream sorprende rescatando la música de blues de antes de los años 50's. El blues era una música para clavados, así como hay chavos clavados en el jazz o en la música clásica, habíamos chavos clavados en el blues, en esos años era una manera de diferenciarte de los fresas, como ahora lo es el heavy metal, por ello escuchar blues en la radio comercial a través de cream era delicioso. 

En la época de Cream, Clapton era un miembro más del grupo, no destacaba demasiado de sus compañeros, de tal manera que el que cantaba y componía era Jack Bruce. El blues tuvo su edad dorada en los 40's con el sonido de Chicago (aunque el blues del Delta del Mississippi con BB King a la cabeza no era menos famoso que el blues de Chicago), los grandes exponentes eran Willie Dixon, Muddy Waters y Wowllin' Wolf (todos ellos han grabado con las bandas clásicas del Rock, como el propio Clapton, los Rolling Stones, Led Zeppellin y muchos otros). Fueron los rockeros ingleses los que rescataron este género y lo incorporaron al rock y sin duda Eric Clapton es el exponente más destacado.  

Regresando al DVD, lo que más me impactó fue ver que las cosas siguen igual, las canciones clásicas y el jefe Jack Bruce dirigiendo la banda, pero con un Clapton volando por las alturas con unos solos tremendos que si bien siguen las pisadas originales, la intensidad y el vibrato del sonido de su fender stratocaster negra alcanza dimensiones de paroxismo y de lo imposible. El DVD comienza con una canción que tocaba Deep Purple en tono de rock pesado, se trata de I’m So Glad, pero que en versión de Cream la canción vuelve a sus orígenes de blues sureño (ver clip en http://www.youtube.com/watch?v=y771N3aclz0) le sigue una famosísima canción de Willie Dixon: Spoonful, la rola tiene el clásico sonido de Chicago, pero con unos solos de Clapton que te hace volar la cabeza. Le sigue otro blues que canta Clapton Outside Woman Blues (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=B8xgc1oShXg&feature=related).  La siguiente canción es de Ginger Baker y Mick Taylor Pressed Rat and Warthog (este último fue miembro de los Stones y aprendió a tocar blues cargando los amplis de Clapton), le sigue una de las grandes canciones compuestas por Jack Bruce: Sleep Time Time, se trata de una rola en ritmo de blues que todos queríamos tocar en cualquier guitarra ( algo así como con Escalera al Cielo), la maestría de Clapton se hace notar con los recorridos fantásticos por todo el mástil que van desde los más grave hasta lo más agudo, para luego caer de nuevo en los acordes clásicos del blues. 

Las siguientes 5 rolas fueron escritas por ellos, y contienen mucho de la típica improvisación que hacia Cream en sus buenos tiempos, se trata de melodías sencillas casi como de compromiso pero que dejan al libre albedrío la creatividad el grupo, los tonos que alcanza la guitarra son de una pureza insólita, no hay distorsión, no hay nada artificial, se trata simple y sencillamente de genialidad. De estas rolas la más famosa es Badge (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=tO2aLtDNe20&feature=related), esta rola es de las preferidas de Clapton y que George Harrison le sugirió el puente que une a la canción, se trata de unos acordes que suenan como Her Come The Sun, les recomiendo escuchar esta canción siempre al toca Clapton en sus conciertos. Una anécdota curiosa es que nunca apareció en los créditos el nombre de George (en el DVD si le dan los créditos), quizá en venganza porque en en While My Guitar Gently Weeps, tampoco le dieron crédito a Clapton. Otra anécdota interesante es que el nombre de Badge es un juego de palabras entre bridge y bad que sugirió Ringo Star (muy al estilo Beatle) que estaba presente en la grabación. Siguiendo con el DVD, contiene dos rolas clásicas del blues, se trata de Rollin’ and Tumblin’ y Crossroads (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=pX6J5-13c-0&feature=related). La primera es de Muddy Waters en donde Jack Bruce nos da una lección de cómo tocar al armónica, y la segunda es el himno de Clapton, es la rola clásica por excelencia de Robert Johnson (dice la leyenda que Robert Johnson vendió su alma al diablo con tal de ser el mejor bluesman del Delta en los 30’s), es una verdadera joya del rock y una de las canciones más recordadas de Clapton. 

Otra canción clásica que tocan en el concierto es la de Born Under Bad Sing, la que canta Homer Simpson, aquí la canta Bruce y casi le llega a Homer. Por último, no podían faltar White Room (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=NJZHWMD6N3k&feature=related) y Sunshine of Your Love (ver clip http://www.youtube.com/watch?v=NJZHWMD6N3k&feature=related), canciones que son casi un himno para la generación de los 60’s y que extrañamente son las únicas que suenan más transformadas de su versión original, por ejemplo en White Room no utiliza el wa wa, por lo que se oye muy diferente y en Sunshine of Your Love improvisa el solo y se oye diferente a lo que estamos acostumbrados a oír. En fin, gracias primo por haberme regresado de cabeza a los 60’s y reafirmar que la música clásica es para siempre.